Siamo tutti consapevoli del fatto che l'illustrazione è sempre stata uno dei nostri mezzi di comunicazione visiva più importanti. Fin dalle prime pitture rupestri del periodo Paleolitico (30.000 a.C. - 10.000 a.C.), gli esseri umani hanno sentito la necessità di rappresentare, mostrare e conservare elementi della loro memoria, sia per raccontare storie che per esorcizzare le loro paure. Ma cos'è esattamente l'‘illustrazione’? Dove inizia quella sottile linea—se esiste—che separa l'illustrazione dalle belle arti? Per rispondere a questa domanda, vorrei iniziare citando e analizzando brevemente una serie di definizioni già esistenti che hanno catturato la mia attenzione.

Siamo tutti consapevoli del fatto che l'illustrazione è sempre stata uno dei nostri mezzi di comunicazione visiva più importanti. Fin dalle prime pitture rupestri del periodo Paleolitico (30.000 a.C. - 10.000 a.C.), gli esseri umani hanno sentito la necessità di rappresentare, mostrare e conservare elementi della loro memoria, sia per raccontare storie che per esorcizzare le loro paure. Ma cos'è esattamente l'‘illustrazione’? Dove inizia quella sottile linea—se esiste—che separa l'illustrazione dalle belle arti? Per rispondere a questa domanda, vorrei iniziare citando e analizzando brevemente una serie di definizioni già esistenti che hanno catturato la mia attenzione.

Ivan Viola e Meister E. Gröller ci forniscono una definizione molto precisa e scientifica nel loro lavoro *Smart Visibility in Visualization: Computational Aesthetics in Graphics, Visualization and Imaging* (2005):

- "L'obiettivo dell'illustrazione è generare immagini espressive che trasmettano efficacemente determinate informazioni attraverso il canale visivo all'osservatore umano. Inoltre, gli illustratori e gli artisti visivi in generale creano immagini che seguono principi di armonia visiva come combinazioni di colori, composizione della scena, contrasto, dinamiche o altri aspetti estetici."

Questo particolare estratto dal lavoro di Viola e Gröller riassume schematicamente l'obiettivo principale di un artista, facendo riferimento alla percezione umana. Sebbene molto interessante, questa definizione descrive l'illustrazione da un punto di vista scientifico, offrendoci solo un aspetto superficiale dell'illustrazione. Per questo motivo, non è sufficiente per comprendere appieno il vero significato di questa pratica.

In un'intervista con la rivista *Mother Jones* (ottobre 2014), Charles M. Blow offre una metafora interessante:

- "Un'illustrazione è un editoriale visivo—è altrettanto sfumata. Ogni elemento che la compone è una decisione che prendi: ogni colore, ogni peso della linea, ogni angolazione."

Proprio come il redattore di un giornale offre la sua interpretazione dell'evento più importante del giorno, un illustratore fa lo stesso con la sua opera, fornendo un'interpretazione personale di una storia commissionata. Trovo questa frase sia interessante che appropriata, considerando che l'illustrazione e il lavoro editoriale spesso vanno di pari passo (ad esempio, le vignette editoriali).

Nel suo manuale di pittura *Imaginative Realism: How to Paint What Doesn't Exist* (2009), James Gurney afferma:

- "Non esiste una linea tra belle arti e illustrazione; non esiste arte alta o bassa; esiste solo l'arte, e si presenta in molte forme."

Trovo molto significato in questa frase apparentemente semplice—potremmo dire che riassume perfettamente ciò che cerco di spiegare quando le persone mi chiedono la differenza tra un'illustrazione e un'opera d'arte. La parola 'artista' non si riferisce necessariamente a un pittore o scultore, così come 'arte' non è limitata alle belle arti ma include ogni aspetto dell'arte stessa, che conduce a innumerevoli forme di creatività ed espressioni estetiche. È molto importante tenere a mente questo concetto per evitare qualsiasi possibile malinteso mentre proseguiamo nel nostro percorso artistico.

In un'intervista con The Guardian (19 aprile 2003), Sir Quentin Blake, fondatore della House of Illustration [capitolo 4], tocca il tema dell'illustrazione in Oriente. Egli afferma:

- "In Cina e in Giappone, non c'è distinzione tra pittura e illustrazione, ma qui c'è un grande divario tra arte 'alta' e arte applicata o commerciale."

Sono stata in Giappone due volte in passato e posso confermare la sua osservazione. Credo che l'illustrazione e i fumetti (Manga) siano tenuti in grande considerazione e considerati elementi importanti del patrimonio culturale giapponese. Sono spesso considerati allo stesso livello delle opere d'arte più raffinate e dei generi letterari. Tuttavia, le persone sono spesso molto critiche e rapide nel tracciare 'barriere' quando si tratta di distinguere ciò che considerano vera arte da ciò che semplicemente descrivono come parte della cultura commerciale, ‘Pop’.

Blake fa un altro paragone durante una diversa intervista, questa volta per i redattori di Time Out (18 dicembre 2006):

- "Non penso che ci sia un illustratore bravo quanto un Tiziano o un Rembrandt... ma poi, sai, Rembrandt era un po' un illustratore in segreto."

La concezione dell'arte è cambiata gradualmente ma radicalmente nel corso dei secoli. Prima della fine del XVIII secolo, nuove forme di espressione come la fotografia, l'architettura industriale e gli oggetti fatti a mano iniziarono a prendere forma. I compiti principali delle opere d'arte erano per lo più rappresentare e preservare un determinato soggetto, raccontare storie o semplicemente abbellire uno spazio definito. Se pensiamo agli affreschi della Cappella Sistina dipinti da Michelangelo Buonarroti (1475-1564), i loro soggetti sono per lo più rappresentazioni di storie religiose ed eventi biblici. Potremmo discutere per ore su come l'artista abbia magistralmente interpretato ogni scena e personaggio, lasciando il suo inconfondibile marchio su ogni centimetro della sua opera d'arte. Non c'è un concetto particolare dietro di essa, ma non ne sentiamo la mancanza perché il suo scopo principale era decorativo e narrativo. Seguendo le varie sezioni che dividono la volta, possiamo riscoprire visivamente le principali storie che compongono il mito biblico, pezzo per pezzo. Come un libro sul muro, la narrazione procede lungo il soffitto e poi giù per la parete, sopra l'altare, dove il Giudizio Universale conduce alla conclusione.

Michelangelo fornisce un grande esempio di come le belle arti e l'illustrazione possano fondersi in una singola pratica, ma potremmo nominare molti altri artisti la cui produzione artistica ha preso questa particolare direzione? Citando un artista dalla frase di Sir Blake, Rembrandt (1606-1669) è un altro grande esempio. I ritratti di persone, animali e nature morte caratterizzano il lavoro di Rembrandt—i dettagli quasi ossessivi dei suoi soggetti ricordano quelli di un illustratore moderno.

Il mio prossimo esempio è il fotografo Aaron Siskind. Parlando di illustrazione, sostiene che:

- "In qualsiasi arte, non sai in anticipo cosa vuoi dire—ti viene rivelato mentre lo dici. Questa è la differenza tra arte e illustrazione." (senza data)

Considerando il punto di vista di Siskind, non sono sicuro che la maggior parte degli artisti inizi un'opera senza avere la minima idea di un soggetto o di un concetto. Il fotografo ha ragione nel dire che sai già come si svilupperà la tua storia. Tuttavia, nell'illustrazione, proprio come in qualsiasi altro campo artistico, la composizione dell'opera si rivela mentre ci lavori. Ogni linea e dettaglio che decidi di aggiungere può cambiare drasticamente l'aspetto finale, portando a un risultato completamente diverso da quello che l'artista aveva inizialmente schizzato. Credo che l'affermazione di Siskind potrebbe essere correlata all'arte outsider, o art brut—in questo caso, la differenza a cui si riferisce sarebbe facilmente comprensibile.

A conclusione di questo capitolo, vorrei menzionare una citazione di Howard Crosby, tratta dal libro di Lloyd Albert Johnson, "A Toolbox for Humanity: More than 9000 Years of Thought" (2003):

- "Un'illustrazione saggiamente scelta è quasi essenziale per fissare la verità nella mente comune, e nessun insegnante può permettersi di trascurare questa parte della sua preparazione."

Credo che questa frase sia tanto semplice quanto esplicativa. Con poche parole, Crosby riassume quale sia lo scopo finale di un'immagine: trasmettere un messaggio immediato e chiaro. Nel campo educativo, le illustrazioni possono essere utilizzate per attirare l'attenzione dello studente, comunicare informazioni, aiutarlo a capire o facilitargli il ricordo di un contesto attraverso il ricordo dell'immagine.

Osservando le citazioni che ho analizzato nel capitolo precedente, si può notare quanti concetti e—spesso definizioni opposte—possano essere attribuiti a una singola parola. L'arte è generalmente soggettiva, e poiché l'illustrazione ne fa parte, può essere difficile fornire una definizione precisa e indiscutibile. Ciò di cui siamo sicuri è che l'illustrazione è una delle forme d'arte più antiche di tutti i tempi.

Molto prima dell'invenzione dei libri moderni, gli antichi egizi avevano l'usanza di rappresentare figure e immagini con motivi religiosi, utilizzando muri, legno e papiri come supporti. Gli stessi geroglifici egizi consistevano in una serie consecutiva di simboli che combinavano arte con elementi logografici, sillabici e alfabetici.

Con l'invenzione del codice alla fine del I secolo d.C., il rotolo venne gradualmente sostituito—aprendo nuovi orizzonti nel campo dell'illustrazione, portando all'invenzione della miniatura. Queste erano illustrazioni di piccolo formato la cui funzione principale era decorare le prime lettere maiuscole scritte all'interno dei manoscritti, indicando l'inizio di un nuovo capitolo. Le miniature costituiscono una parte fondamentale del patrimonio artistico del periodo carolingio (VIII-IX secolo). Il libro svolse un ruolo significativo durante la fondazione del Sacro Romano Impero. Era un mezzo per conservare e diffondere leggi scritte, oltre che un modo per recuperare antiche conoscenze.

Con l'indipendenza sempre maggiore della società dalla chiesa, le miniature iniziarono a comparire anche nei libri di preghiera privati, negli erbari, nei testi scolastici e persino nelle carte da gioco. Intorno all'XI secolo, con la prima importazione della carta dalla Cina, questo nuovo mezzo permise di produrre e distribuire testi e illustrazioni in quantità molto maggiori. La xilografia era tra le tecniche più comunemente utilizzate per questo tipo di immagini, fino alla fine del XV secolo, quando fu inventata la stampa e le lastre di rame divennero il mezzo preferito (tecnica dell'acquaforte). Grazie a questa nuova invenzione, il mercato del libro si espanse ulteriormente in tutta Europa—anche se i primi giornali e riviste cominciarono ad apparire solo a partire dal XVII secolo. Riviste satiriche e riviste di moda fecero largo uso di illustrazioni stampate, che erano destinate esclusivamente a un pubblico adulto.

Per un'illustrazione dedicata puramente ai bambini, dovemmo aspettare fino al XIX secolo—infatti, nei secoli precedenti, il campo dell'infanzia era stato in qualche modo trascurato rispetto al pubblico adulto, che offriva maggiori possibilità. Questo periodo è considerato di fondamentale importanza per l'illustrazione dei libri, soprattutto in Inghilterra, che vide la nascita di talenti leggendari come Dante Gabriel Rossetti (1828-1882), Arthur Hughes (1832-1915) [capitolo 2.3], John Lockwood Kipling (1837-1911) e Beatrix Potter (1866-1943). Negli Stati Uniti, il periodo tra il 1880 e l'inizio del XX secolo è conosciuto come l'Età dell'Oro dell'Illustrazione. Questo nome è dovuto a una produzione senza precedenti di splendide illustrazioni per libri e riviste, che riuscirono a combinare qualità e quantità, contribuendo a mantenere incredibilmente bassi i costi di riproduzione. Questo fu reso possibile dall'arrivo di nuove tecnologie e da una crescente domanda pubblica di nuove arti grafiche.

Oggi l'illustrazione trova il suo mercato più grande nel campo dei libri per bambini. A parte le riviste satiriche, le enciclopedie e i libri educativi specifici, l'usanza di illustrare i libri per adulti è quasi completamente scomparsa, ad eccezione dell'immagine di copertina. Nel campo della pubblicità, l'illustrazione commerciale rimane comune—nonostante la fotografia sia una grande concorrente. Se da un lato gli artisti hanno la possibilità di lavorare a distanza grazie alla tecnologia moderna e di scegliere il proprio stile più liberamente, dall'altro lato il mercato si è notevolmente ristretto e pochi illustratori riescono a lasciare un segno duraturo nella storia. Nonostante ciò, l'illustrazione era e rimane un elemento fondamentale della nostra cultura e della nostra vita quotidiana.

I secoli possono essere passati, ma gli obiettivi dell'illustrazione non sono cambiati. Che lo scopo sia narrativo, decorativo, religioso, commerciale o puramente rappresentativo—le immagini comunicano con noi attraverso un linguaggio visivo che solo un artista può 'scrivere'. L'illustrazione non riguarda solo il racconto di storie; riguarda anche l'espressione di messaggi ed emozioni dal punto di vista dell'artista, stimolando la curiosità dello spettatore e facendolo sentire parte di una storia che probabilmente mancherebbe di impatto se scritta solo in forma testuale.